中西方人体艺术的差异 水彩人体绘画的表现


▲《泉》,安格尔(法国),1856年

源于古希腊文明的西方人体艺术已有2000多年的发展史了,西方人视人体为纯洁、真诚,美的化身;同样有5000多年文明史的中国,古代文化涉及人体方面则是春宫图、性文化,把人体当做情欲的表现。这凸显了中西方对人体本身认识的差异性。


在美术领域讲的“人体艺术”,特指艺术家以模特的身体为题材,并力图通过模特的身体来传达艺术家某种特定的思想、观念、或情感。人体艺术多属于行为艺术的一种。它最早出现于20世纪60年代。


人体艺术的主要研究对象,从现实而言就是人体。裸体艺术从属于人体艺术。


▲《森林之神与仙女们》,阿道夫·威廉·布格罗(法国),1873年


人体艺术也是因人们对自身面部丰富的表情、身体姿态动作的优雅等的日渐钟情而逐步出现的一种艺术门类。也是现代艺术家对诸如“架上绘画”等传统艺术观念的反叛创造行为。


人体艺术家时常展示——或在自己的皮肤上作些火烫图纹和异样的记号标志;或者自己裸露的肌肤在强烈的太阳光下长时间的予以曝晒,达到烤红如关羽般的红润肤色;或把自己那美丽的一头智慧之发用火攻除之;或者踏踏实实地实践一次俗语讲的“搬起石头砸自己的脚”;或是通过自己“亡命”的呼吸和剧烈的身体动作等自己的体态和表情发生严重扭曲与变形,如呈现惨叫状……;或更甚者,把自己的形式多样的性活动行为予以展示……等等如此这般和那般地艺术行为都让鉴赏者叹为观止。但,其也有一定的深意,让鉴赏去独悟。


人体艺术是全人类最宝贵的精神遗产之一,在诸多的人体艺术作品中,有的是人体的直接表现,以写实手法描绘人体的健美,均衡律动与和谐。艺术家们神奇地描绘出了女性肌肤的柔软透明,鲜活灿烂并以史诗式的丰厚博大达到了奇迹般的极致,他们的作品是对人类心灵和人性的无与伦比的颂歌。


中国人对于人体艺术的态度,既没有古希腊时期人神合一的理想化精神追求,也没有文艺复兴时期强调性感与美感统一、美化人的自然属性的精神境界。中国传统美术把神韵气势、意境作为艺术的最高标准,追求“心性”的实现。

西方人体艺术中的维纳斯在美术史上占有重要的地位。由于地理环境和传统文化的影响,相对于西方千姿百态的人体艺术,中国形成了自己独特的人体艺术表达方式。

中西方史前人体艺术并没有多大差别,都具有女性生殖崇拜的造型观念,只是由于古希腊文化和文艺复兴以及东方文明的出现,中西方人体艺术才开始走向了不同的发展道路。

而西方美术则在再现写实的领域发展,以真善美为准则,追求理性和真善美的统一。

各自不同的人体艺术欣赏标准,反映出不同的文化氛围和价值趋向。

人体艺术绘画是每一位人物画家不可或缺的基本功。

艺术家只有在充分了解了人体各个部位在运动中的功能之后,才能画出具有动感的人物。

对人体各部位的图解有助于让学生对人体各部位的比例有所了解。

竖线表示模特在纸上的大小,这条线被分为8等分,头部占l/8。

整个竖线由中点一分为二,再将分好的上下两部分再分为2,将这分好的4个部分再从中间等分,便得到8个等长的部分,每一部分长度为模特头部的长度。一般人的身体为7或8个头的长度,而画时装画时的身体与头的比例常常可变为1:9。



下页画的模特表示出人体是如何分成8等分的,模特头部呈椭圆形,肩宽为头部宽度的3倍。


将人体以圆柱体、长方体和椭圆形表示出来。


要记住,人体也是一种物体,有它特定的形状。为了让这一点得以充分表现,有必要将人体的各部分用不同的示意图表示出来。


最好一开始用笔轻轻勾出一张草图,并用图示的方法将模特表现出来。这时才能运用这种法将模特的其他动作、你自己在镜子里的动作或者一张好照片里的动作表现出来。勤学多练很要,你得一而再、再而三地练习才行。


一开始,我们在人体上画一个大小适当的椭圆形来表示人体的头部。为在脸部画上相应的眼、鼻等五官,我们还得借助辅助线:如图所示,先作—条竖线,再作一条横线经过竖线的中点。在此基础上再作两条横线。中线是画眼睛的地方,最为重要,如果是侧面像,则将椭圆形倾斜一个角度即可。


正如最后的成作所显示的那样,辅助线可帮你确定眼、眉、耳、鼻、嘴的位置,在画真人时,我们心里总是假想几条线,以便画出头部各种动作和相应各部位的比例。


当我们画头部时,总是先假想出几条辅助线,因为它可以帮助我们正确地描绘出眼睛、鼻子和嘴的所在部位。如图所示,这些假想的辅助线是绕着头部外缘的几根线条,尽管我们实际上看不到它们。



 人体各部位的表现 


眼睛呈球状,并且嵌在眼眶里,绘画时更要时时记住眼睛是球状的。


在绘画中鼻的基本形状可以想象为楔形,而时装画上的鼻子只是略略带过。


嘴唇是由肌肉组成的,并且有各种各样的形态。在模特张嘴时我们虽然能看见她们的牙齿,但我们画嘴时并不将它们一一画出,而是一笔带过。


在时装画中,耳部只是略略几笔,但我们应知道怎样将耳部的所有细节画出来。


颈部

为了能够正确地理解颈部的转动和它各个部分的变化情况,并将它们表现出来,我们向您列出三个方向表现颈部肌肉组织状况的示意图。在时装画中,脖子通常画得比正常人的要略长些,这样给人感觉更加优雅。利用脖颈轮廓线之间的相互交错就可将脖于的转动表现出来。


颈部的基本形状是一个圆柱体。如果要在时装画中表现一件衣服的领口,那么必须表现出圆柱体的感觉,这就是为什么在画领口时需要一些辅助线。


在画人物四肢时,必须时刻牢记它们都是立体的,具有空间造型。


为了说清楚这一点,我们用曲线、圆等简略的方法将手臂表现出来。这里画的轮廓线与我们一开始向您展示的人体基本形状吻合,在关节处画出骨骼的轮廓。


人手的长度与人脸从下巴到额发际的长度相等。由于手上有许多关节,手上的动作便十分丰富。


我们从表现手的姿势开始学习。


我们用图解的方式将手的动作分解并表现出来,这个方法也就是我们在画整个人体时用的。只有通过这种方式,我们才能对手部进行细节描写,画好每一根手指。


画人难画手,画好它得多次反复练习才行。练习将你自己手的各种动作画出来,或者画出照片中的手部动作。


画手臂的方法同样适用于画腿。脚和手—样都不好画,也得不断地练习才行,写生是最好的方法。



 简单的解剖学 


在你真正开始画人体之前,有必要了解一下人体皮肤下面的肌肉组织和骨骼结构。正是这些肌肉和骨架才给予人体外在的形态,这一点可以在皮肤之下窥见一斑。

为了看到皮肤下面的情景,请细细研究一下这两张图。并将它们与你自己的身体结构加以比较,从而帮你了解人体整个内部肌肉组织结构和外在的表现形式之间的关系。

知道各个肌肉和骨骼的名称并不重要,但是任何人,只要想学习时装画艺术,就得学习一下解剖学。

练习画骨骼的组成、关节的功用和肌肉的结构,这些练习可以使你在学习人体画时轻松一些,也可以让你画中的人物更具活力。

 人体绘画 

当你对人体的基本结构、人体解剖有所了解之后,你就可以试试画真正的人体画了。

准备—个画板,尽量不要小于A3纸的大小(29cm×42cm),再准备一根软些的铅笔(如HB、B、1B或2B)或者一根炭笔。

你还得准备一块橡皮,但能不用它就尽量不要用。在你的画笔落下之前,要细细地研究一下人体模特,找一找最能表现出她身体动态的线条。只有这样,你才能轻轻几笔在纸上将她表现出来。

做好了这一步,你就可以显而易见地看到你的画构图是否得当,也许你在一开始时,画幅有些太满,也许你没有地方画脚,也许你画得太靠左或者太靠右,或许你得全部推翻了重画。

这些错误都可以在一开始你轻轻几笔勾出轮廓之后一一加以改正。正如你所学的那样,休从辅助线开始画,再将自己的草图和模特做一个对比,看看什么地方错了。你得不断地将自己的画和模特做对比,直到你觉得画对了,你才能真正开始用一些浓重的笔调开始画。这时你可以将一开始在准备期间画的正确线条保留下来,不必将所有的线条都擦去。

当心不要花太多的时间勾画草图。



—开始就画好太多的细节也没必要,这是你在开始时特别要避免的问题。你可以将加上明暗调子这一步放在最后再做,因为这往往是初学者掩盖他们的错误的一种方式。你应当一开始就用清晰、简洁的线条画出模特的轮廓,没有明暗调子,没有光彩变化,只有简单的线描。这时最重要的就是认识模特姿势的根本表现方式,了解各部分的比例,并用简单的线条将这些画下来。

并非每个人一开始都能正确地画出模特儿的姿态,不要因此而气馁。你不能指望一次就画出正确的线条。你只不过是需要加以不断练习罢了,相信努力终究会有回报。经过一段时间之后,你会心满意足地发现你已经进步了。

一旦你克服了最初遇到的困难,你就可以开始画速写了。每幅速写只花几分钟时间。在这几分钟里,最重要的是要能表现模特的姿势、身体的扭转和各个部分比例的线条。用一系列的草图来表现一次动作全过程,这可以让你的眼睛更尖,手更快。速写是一种很好的练习,它能让你进步。进行这样的练习可以让你掌握各种各样的表现技巧。你在用铅笔作画时,还可以试着用用钢笔和签字笔。这种技法只适用于小型绘画。由于用这样的笔画出的线条无法更改,这就迫使你迅速抓住模特的最大特点。这是一种非常棒的练习,它可以让你的观察更加敏锐,画出的线条更流畅。你应当再试试毛笔,用墨汁画画这时你一笔下去就再不能作任何更改了。如果一次没画好,立即再画一张,如此往复。这个练习十分有用。对于大画你可以用炭笔、粉笔作画,好让你熟悉如何运用这些绘画工具。



不断改变你的画纸的大小也十分重要,画幅小些时可以用钢笔,大些的画幅则用粉笔或炭笔。这样对你赢得自信有好处,也对你掌握各种技法有所帮助。下边几页的人体画将给绘画者提供各种各样练习绘画的方法,并且向你展示如何学以致用。

 用画笔和水彩作画 

为了将注意力集中在模特的整个形态上,你还要做如下练习:用淡淡的水彩先将模特身体剪影画出。这时,铺上重彩,趁着颜料未干时就用深色线条将轮廓勾出。如果你觉得不对,你不必非得跟着水彩的轮廓线走,你当然也不用将整个身体都勾上轮廓线,这种技法令你能够抓住实质进行表现。



 水彩人体的表现风格 

(一)古典主义风格

1750至1840年间的古典时期,是以希腊创造的画风为基础的风格。特点在于纯净的色彩、清晰的线条运用和准确的造型,认为绘画必须真实地表现对象,坚实而严谨的风格是古典主义的特征。

(二)写实主义风格

写实主义最早来源于库尔贝,因为1855年他的创作被拒于世界博览会时,他决定在博览会门口的一间柴房中自办画展,柴房门上钉着一个牌子:写实主义者——居斯塔夫 · 库尔贝。写实主义探究现实的实际景象 ,描绘日常生活。写实主义的重点是否定理想,摒弃理想与一切由理想导致的结果。它是一种完全的自我解 放,本质上是一种民主主义思想的艺术。库尔贝简单明了地说明他对题材的选择原则:“我只描绘我看见的东西,所以我不画天使,因为我从未见过天使”。


(三)印象主义风格

印象主义是1860年左右出现于法国的艺术流派 ,表现光在物体上瞬间的变化,特色在于观察色彩的瞬间变化。印象派画家赞美沐浴在自然光线下,无论是曙光、日光还是薄暮的微光都是那令人惊叹的自然景观。他们着迷于光线与色彩间的关系,以纯粹的色彩及自由的笔触作画。他们还根本改变了题材的选择,避开传统、历史、宗教或浪漫的题材,而专注于风景和日常生活的情景,“印象派”的名字来自一位评论家在看了克劳德·莫奈的《日出.印象》后的一句嘲讽语。


(四)表现主义风格

表现主义是1905年到1930年以德国为主要中心的一个艺术流派。表现主义画家试图发现能表现他们内心情感而非外在世界的绘画形式,他们的创作充满张力和激情且高度个人化,其基本观念是把画布当成表达情感的工具。强烈、不真实的色彩和戏剧化的笔触,使典型的表现主义作品具有生命力的震颤因而不难理解凡高那粗矿的绘画技法与独特的色彩运用 ,会成为许多表现主义画家的灵感来源。


(五)超现实主义风格

1924年起由于布荷东起草的宣言确定的艺术流派即超现实主义。其目的在借由各种联想意象,对潜意识与梦境之类的心理分析探索,将人类非理性的、不可掌控的层面表现出来。此派画家常用摄影般精确的手法,描绘恐怖的、非理性的场景,用日常用品创造出奇特的艺术,或开发潜意识所呈现出来的绘画技法。超现实主义作品表现出一个无所不包的奇异而又真实的世界。



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